Me gusta redactar las ideas, no solo con palabras, también con imágenes, bocetar, maquetar, analizar la evolución de la forma; puesto que trabajo abordando el espacio en su totalidad, adapto la forma ornamental al material, al soporte, y transformo el espacio.
Isabel Flores recibe su formación académica entre las Facultades de Bellas Artes de Sevilla, La Laguna, Tenerife y la Universidad Mimar Sinan Güzel Sanatlar de Estambul. Tras licenciarse, Isabel cursa el Máster en Arte Contemporáneo, Creación e Investigación en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y se traslada a Berlín, donde reside hasta 2016. Actualmente, Isabel Flores continúa su formación en el programa de Doctorado en Creación e Investigación en Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, a la vez que continúa desarrollando su proyecto artístico.
Trabaja en los medios de pintura e instalación, su obra ha sido mostrada en festivales de arte público como Muro Crítico, FANG! (Madrid, 2019) o MULAFEST en Femenino (IFEMA, Madrid, 2018), así como en exposiciones colectivas: Mestras y Mestrados (Museo de Pontevedra, 2020) o Perspectivas e Identidades (Galería Nueva, 2022) e individuales Pattern Reveal (Sala Santa Clara, Junta de Extremadura, Mérida), Formas e Tránsitos (Sala Alterarte, Ourense), Pattern Reveal + Cartografías (Palacio Montemuzo, Zaragoza) o Entre un espacio y otro (2023), en la Sede El Hospital-Centro Vivo de Badajoz.
Para conocerte más, háblanos sobre tu formación y tus primeros pasos como artista
No recuerdo mi vida sin arte, los primeros pasos fueron hace mucho tiempo, no sabría decir cuándo ni de qué manera, pero sí que siempre tuve claro que quería dedicarme al arte. Me formé en Bellas Artes en Sevilla tras dos estancias, una en la Universidad de La Laguna (Tenerife), y otra en la Mimar Sinan Güzel Sanatlar de Estambul (Turquía) y, posteriormente, realicé estudios de Máster en Arte Contemporáneo en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, donde actualmente realizo el doctorado. La investigación teórica siempre acompaña mi práctica artística, se retroalimentan. Estas experiencias fueron realmente enriquecedoras porque me permitieron conocer la pintura desde puntos de vista muy diferentes, por supuesto Estambul supone un antes y un después en mi obra, que comenzó a materializarse cuando conocí a la artista e investigadora Almudena Fernández Fariña en Pontevedra. Desde que empecé a investigar las posibilidades del ornamento, mi proyecto personal, mi obra e investigación, crece y transita entre soportes y espacios, como el muro, el textil, la cerámica, la forja, el espacio urbano y el espacio expositivo.
El lugar donde todo sucede: el estudio del artista. Uno de los lugares donde más tiempo pasas. Donde reinan y conviven el orden y el desorden, las ideas y su materialización, ¿cómo es en tu caso?
Mi estudio ha ido cambiando según vivía en Sevilla, Tenerife, Estambul, Pontevedra, Berlín, Madrid…, quiero pensar que el estudio soy yo misma, porque siempre he encontrado la manera de producir obra, independientemente de dónde me encuentre. Desde hace unos años tengo el estudio en la casa de mis abuelos, que es la casa donde nací, es un lugar acogedor, con preciosos suelos hidráulicos, azulejos en las paredes y bóvedas, patio y un naranjo maravilloso, un espacio que, como Estambul, también es una gran influencia. Es el lugar donde toman forma mis proyectos y obras, como Pattern Reveal, A Fragment or a Sensation, o Formas e Tránsitos, entre muchos otros.
Comenzar una obra o un proyecto siempre es complicado, como enfrentarse al papel en blanco. Cuéntanos cómo es ese proceso de inicio de una obra o proyecto nuevo
Hace muchos años inicié un archivo de ornamentos en forma de azulejos, baldosas o registro fotográfico de éstos, entre otros, que unido a las fuentes teórico-prácticas que manejo, son mis referencias, mis herramientas a la hora de iniciar un proyecto. No suelo enfrentarme a un papel completamente blanco porque siempre tengo un ornamento sobre la mesa con el que estoy trabajando, a partir de ahí comienzo a manejar las posibilidades que éste me ofrece, además de textos, espacio expositivo, entre otras, y voy dando forma a la obra o proyecto en cuestión. Luego, como decía, se retroalimentan.
Me gusta redactar las ideas, no solo con palabras, también con imágenes, bocetar, maquetar, analizar la evolución de la forma, que siempre acompaña a la evolución del proyecto, puesto que trabajo abordando el espacio en su totalidad, adaptando la forma ornamental al material, al soporte, y transformando el espacio.
Una próxima meta que tengas en mente y quieras alcanzar
Mi objetivo es seguir trabajando. Este año tengo varios proyectos importantes, entre ellos dos exposiciones individuales, una en Badajoz y otra en Suiza y tengo muchas granas de mostrar el resultado.
Si tuvieras que elegir sólo una palabra que englobe y defina tu trabajo, ¿cuál sería?
Ornamento.
Tu trabajo se divide en lo que podríamos denominar como “intra-“ y "extramuros”, la obra expositiva y la obra en la vía pública, ¿cómo compaginas ambas vertientes?
No es una cuestión de compaginar porque no está separado, mi pintura salió del lienzo al muro y a partir de ahí se expande a diferentes soportes y espacios, es resultado de un proceso natural que mi obra se desarrolle en el espacio interior y el exterior y sobre diferentes soportes y materiales.
Siempre sitúo mi obra en el espacio mediante la producción de obra site-specific e in-situ. En el espacio urbano tengo muy en cuenta el lugar y la historia, y hago una búsqueda de formas ornamentales específica, de manera que la obra solo puede estar en esa ubicación y sobre ese muro, mientras que la obra en el espacio expositivo, dentro de sus características, puede adaptarse a diferentes arquitecturas, como ocurre con Pattern to Abstraction que fue expuesta en la sala Art Mustang (Elche, 2019) y Museo Histórico de Llerena (Llerena, 2021), o Pattern Reveal, expuesta en la Sala Santa Clara (Mérida, 2020) y posteriormente en Palacio Montemuzo (Zaragoza, 2022).
Sobre tu obra expositiva en gran formato: ¿cómo es su proceso de creación?
La obra en gran formato surge por y para un espacio concreto, es una obra site-specific, aunque, como decía, en ocasiones esta puede adaptarse a espacios con similares condiciones arquitectónicas. El proceso es completamente manual y cada obra es única aunque utilice una técnica creada para la obra múltiple, como es la serigrafía. Para mí, la serigrafía es una herramienta para pintar, como con un pincel, un rodillo o un bote, siempre hay que decidir la cantidad de pintura que se emplea, la fuerza, la rapidez y el énfasis del movimiento que se realiza al aplicar la pintura… eso mismo hago con la pantalla y la rasqueta, por eso cada impresión que realizo es única, no me interesa la perfección de la herramienta, sino las posibilidades que ofrece cuando se aplica de una manera diferente, los errores que surgen y que son reflejo del proceso creativo y parte esencial de la obra, puesto que el soporte que utilizo no admite modificaciones. Esos errores, entendidos como variación, son nuevos ornamentos, que también transitan de la tela al muro, a la forja, a la cerámica… permitiendo evolucionar y crecer el proyecto.
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