DESAFÍO(S) es una exposición en la que unimos fuerzas con las galerías Inéditad y ArtQuake, para mostrar un arte disruptor en el que nuestros artistas han trabajado sobre temáticas de sensibilización y/o crítica social. La exposición podrá verse hasta el 6 de octubre en Calle Doctor Fourquet 10 de Madrid (Galería Nueva).
Los artistas protagonistas de esta exposición son, por parte de ArtQuake Gallery: Aisha Ascóniga, Aneoa y Belén Lei Lei; Inéditad Gallery expone lo último de Albert Bonet, Alex Domènech, Eduardo Urdiales, Sergio de la Flora y Stefano Mussato.
Nuestras artistas
Isabel Flores (Hornachos, 1989), recibe su formación entre las Facultades de Bellas Artes de Sevilla (08/13), La Laguna, Tenerife (11/12) y la universidad Mimar Sinan Güzel Sanatlar de Estambul, Turquía (12/13). Tras licenciarse, cursa el Máster en Arte Contemporáneo, Creación e Investigación en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra (13/14) y se traslada a Berlín hasta 2016, cuando regresa a Madrid.
Actualmente, Flores reside en Extremadura y continúa su investigación en el programa de Doctorado en Creación e Investigación en Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra en la línea: la pintura en el campo expandido. Aperturas y derivas de la pintura contemporánea, una investigación estrechamente ligada a su práctica artística, cuyo eje de estudio es el ornamento, sus cualidades formales y sus significados.
A través de su proyecto artístico e investigación, Isabel Flores trabaja con el ornamento en la pintura. Desgranando el manifiesto que Adolf Loos escribía en 1907, Ornamento y delito, donde [el ornamento] quedaba denostado y relegado al trabajo tradicionalmente vinculado a la mujer, a lo artesano, a lo menor en el arte.
La obra de Isabel Flores defiende y pone en valor el ornamento a través de las artes textiles, la cerámica y la forja, ya que, esta última, en contrapunto, se relaciona al trabajo físico, a lo masculino. La provocación, propone el desafío de ir contra la corriente elitista y patriarcal que Loos iniciaba a principios de los años XX, igual que hicieron en los años 70 artistas del movimiento Pattern & Decoration como Joyce Kozloff o Miriam Schapiro, planteando una revisión de estas teorías de la modernidad.
María JL Hierro (Huelva, 1985) es una artista conceptual multidisciplinar que centra su interés en las palabras y frases cotidianas con una temática variable, aunque cabe destacar la falta de tiempo, la necesidad de reflexionar y las emociones. Realiza una investigación sobre el lenguaje de manera intuitiva e ingeniosa que mucho tiene que ver con sus primeros estudios como ingeniera civil, pues se autoimponen apenas dos variables: color y posición de letra, para extender y transmutar las palabras. Además de sus estudios técnicos ha realizado diferentes cursos con Aitor Saraiba, José Pedro Croft, Verónica Ruth Frías y Margarita Aizpuru.
Desarrolla su arte textual, conocido como tipoesía, sobre diferentes formatos que van desde el papel hasta la escultura, pasando por murales e instalaciones. Se trata de una obra aparentemente sencilla que termina al ser reinterpretada por el espectador, pues el fin de la artista es hacer pensar y cuestionarse.
Ante todo, creo firmemente en un futuro en el que estos corazones juntos no escandalicen.
María JL Hierro crea un diálogo visual al enfrentar palabras que nos invitan a reflexionar sobre los dilemas y tensiones de las dualidades de la experiencia humana.
Pilar del Puerto (Plasencia, 1997). Artista visual e investigadora. Graduada en Bellas Artes con Máster en Investigación en Arte y Creación y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual del Museo Centro de Arte Nacional Reina Sofía. Especialista en Perspectiva de Género en las Industrias Culturales y Agente de Igualdad. Actualmente se encuentra cursando los estudios de Doctorado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid.
Su trabajo se ha expuesto en galerías y centros culturales del territorio español, así como en Canadá, Croacia, Italia y Japón. Ha formado parte del grupo de Investigación de la Comunidad de Madrid: En los Márgenes del Arte, Ensayando Comunidades. Es parte del colectivo XenoVisual Studies, con sede en el Centro de Creación Contemporánea Matadero Madrid. Su obra es cercana al arte conceptual y se nutre de la investigación académica basada en el pensamiento crítico.
La pintura como medio de ocultación es un recorrido a través de una serie de pinturas realizadas por artistas de género femenino que, durante años, estuvieron atribuidas a pintores de género masculino. Una situación de desigualdad sistematizada hacia la mujer en el contexto del arte que, frecuentemente, las ha relegado a papeles pasivos y sexualizados donde su práctica escasamente ha obtenido reconocimiento.
Para la realización de esta pieza se ha utilizado tinta invisible para incorporar el nombre de una artista a la que la historia del arte arrebató la autoría de sus obras. Este nombre únicamente será visible con la utilización de unas linternas de luz ultravioleta que se entregarán a los visitantes del espacio expositivo.
En el reverso de este lienzo, que permanecerá oculto en todo momento, se encuentra la imagen gastada e invertida de la obra pictórica que la historia del arte ha legitimado a cambio de arrebatarle su verdadera autoría.
Virginia Rivas (Madrid, 1981). Su formación en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, la Accademia di Belle Arti de Venecia y la Universidad de Extremadura, provoca su interés por la versatilidad entre lo plástico y lo visual. Actualmente desarrolla su carrera desde Hervás (Cáceres), su pueblo, a donde regresa en 2014 tras trabajar un año como artista/docente en la Università delle Liberetà de Udine (Italia) con una Beca Grundtvig.
Trabaja en torno a la pintura, el vídeo y la instalación, medios con los que explora el nexo individuo-entorno y confecciona un discurso sociológico elaborado desde una esfera íntima. Le interesa el espectador como agente activo: su implicación, interpretación e interacción con la obra y el espacio. Analiza el paisaje social a través de la luz, el color y el sonido, práctica artística que compagina con talleres y conferencias que imparte en el territorio europeo.
Partiendo de experiencias personales como es la enfermedad por Alzheimer de su propia abuela o el crecimiento de su hijo, Virginia Rivas (Madrid, 1981) plantea un diálogo intergeneracional –la tercera edad y la niñez- donde poder indagar sobre la fragilidad de la memoria. Una memoria que es colectiva –siguiendo los patrones de la ensayista y filósofa española Marina Garcés- que reconoce las vulnerabilidades del ser humano y entiende la importancia de la construcción de espacios comunes y seguros donde estén presentes los cuidados y el compromiso mutuo, espacios de convivencia y resistencia donde el nosotros se configura como el motor de una relación que se ha ido transformando con el paso de los años. – Adonay Bermúdez